Le portrait figuratif à Art Paris

Pourquoi avoir choisi le thème « Portrait et figuration » ?
J’étais moi-même en train de réfléchir sur la scène française, j’observais ce qui se passait et ce qui me semblait intéressant. Je me suis dit : soyons un peu radicaux et explorons un thème qui existe réellement dans la jeune création et la peinture française aujourd’hui, mais qui n’est pas mis en valeur en tant que tel.

Ne parle-t-on pas assez de peinture figurative aujourd’hui ?
C’est une thématique très vaste, il y a un vrai retour, mais je trouve qu’on ne la met pas beaucoup en perspective, qu’on ne met pas les artistes en regard les uns par rapport aux autres. J’ai voulu essayer de trouver les liens, de présenter différentes générations, d’explorer la variété du sujet.

Était-ce également une manière de donner à voir la diversité présente à Art Paris ?
Oui, c’est aussi ça que j’avais envie de refléter. C’était intéressant pour moi de montrer des artistes qui sont « accessibles » – toute proportion gardée évidemment. Art Paris, c’est aussi une sorte de portrait de la scène artistique parisienne, on peut y trouver une vitalité chez les jeunes artistes présentés, des œuvres d’art moderne relativement accessibles et en même temps des œuvres très importantes, historiques, avec des valeurs un peu plus fortes.

1. Rose Barberat Tout juste diplômée des Beaux-Arts de Paris cette année, Rose Barberat (née en 1994) crée des univers monochromatiques dans lesquels évoluent des personnages aux limites du réel. Travaillant à partir de photographies de ses proches, elle distille dans chacun de ses tableaux des symboles, comme autant de manières de déjouer les codes de représentation classiques. Ainsi s’empare-t-elle de mythes qu’elle réinterprète à l’aune de notre société contemporaine, comme en témoigne le grand tableau L’Avenir, sur le stand de la Galerie Pact, représentant un cyclope « déchu de sa bestialité » (Sophie Bernal).

2_. fois hyperréaliste, très colorée et avec une dimension presque maniériste, voire kitsch. Comme en témoigne Les Deux Amis sur le stand de la Galerie Sator, ses tableaux, qu’elle considère comme des « images mentales », sont peuplés de références diverses, notamment mythologiques, culturelles et à l’histoire de l’art. Le portrait s’affranchit ici des conventions traditionnelles pour devenir une mise en abyme et acquérir une dimension polysémique.

3. Jérôme Zonder Connu pour ses dessins virtuoses en noir et blanc, Jérôme Zonder (né en 1974) aime la physicalité du geste et cultive un aspect brut en travaillant principalement la mine de plomb et le fusain. Le portrait est pour lui « un prétexte à dessiner » et expérimenter. Vendue chez Nathalie Obadia, son Étude pour un portrait de Pierre-François #22 est emblématique de son travail : elle mêle à la figuration une pointe d’abstraction, de flou, et confère ainsi à son dessin une dimension déstabilisante. Souvent, les œuvres de Zonder sont bouleversantes, voire angoissantes, en ce qu’elles reflètent et révèlent des parts sombres de l’être humain.

4. Yan Pei-Ming Internationalement reconnu pour ses portraits, de personnalités et de ses proches, Yan Pei-Ming (né en 1960) avait exploré l’autoportrait dès ses débuts, avant de délaisser cette pratique pendant plus de trente ans. Autoportrait, l’épuisement appartient à un ensemble d’œuvres réalisées pendant le confinement, transcrivant sur son visage différentes émotions par lesquelles il est passé pendant cette période d’isolement contraint. On retrouve dans ce tableau la palette, la touche et l’expressivité caractéristiques de l’œuvre du peintre franco-chinois, pionnier du renouveau du portrait (Galerie Thaddaeus Ropac).