À Paris, les Delaunay font la paire

PARIS - Kandinsky et Münter, Jawlensky et Werefkin, Kahlo et Rivera, tous ces artistes ont en commun d’avoir formé des couples, pendant une période plus ou moins longue. Ces « unions artistiques », loin d’être semblables, offrent chacune un caractère singulier. La particularité de Sonia Delaunay (1885-1979) et de Robert Delaunay (1885-1941) est non seulement de travailler côte à côte, mais en plus de collaborer. Leur production plastique se nourrit mutuellement et évolue de façon harmonieuse. Il n’en reste pas moins que, comme toujours, l’histoire de l’art a choisi son héros : c’est Robert.
Non pas que Sonia soit une artiste maudite, inconnue du grand public. Mais son nom reste surtout attaché aux arts décoratifs. Tandis que son époux est montré comme l’un des pionniers de l’abstraction.

Le mérite de la double exposition qui se déroule au Centre Pompidou et au Musée d’art moderne de la Ville de Paris est de rectifier cette vision réductrice de l’œuvre des deux artistes. La présentation consacrée à Robert, axée autour de l’Exposition universelle de 1937, atteste de l’importance que prend son travail monumental dans l’espace public. Celle de Sonia, une rétrospective très complète, est une parfaite démonstration de l’étendue de sa création.

Le parcours s’ouvre sur ses débuts parisiens (elle est d’origine russe) avec quelques autoportraits et le formidable Nu jaune (1908), au chromatisme violent et saturé et aux lignes anguleuses et agressives. On assiste ainsi à un exemple étonnant de synthèse entre le fauvisme et l’expressionnisme, à l’image du groupe allemand Die Brücke que Sonia connaît grâce à son premier époux, le marchand Wilhelm Uhde.

Contrastes simultanés
Rapidement, toutefois, en même temps que Robert, elle va opter pour ce pouvoir dynamique
obtenu par des contrastes simultanés de couleurs, selon la théorie de Chevreul. La répartition des teintes spectrales, étalées en cercles concentriques ou en courbes, engendre un mouvement rotatif (Contraste simultané, 1912). Apollinaire, qui a baptisé « orphisme » ce qu’il considère comme une version poétique du cubisme, affirme que ces œuvres sont « la première manifestation de l’art inobjectif en France ». Sans doute, mais en même temps les Delaunay s’investissent dans la vie moderne, cherchent à démontrer avec leur production plastique les racines communes aux changements techniques et aux transformations artistiques. À lui, la tour Eiffel, symbole de la ville de Paris : ce triangle élancé devient un empilement de lignes brisées et de formes désarticulées, distribuées sur la surface de la toile. À lui encore l’aviation avec la série « Hommage à Blériot ».

À elle, les lumières électriques qui brillent de mille feux sur les boulevards ou le bal Bullier. Ici, ce sont les éblouissants Prismes électriques, ces surfaces où les couleurs, délimitées par un trait plus ou moins net, viennent baver selon le jeu des coups de pinceau ou bien se fondre presque imperceptiblement dans les couleurs voisines. La modernité peut être également symbolique : voir La Prose du Transsibérien…, le poème de Blaise Cendrars que Sonia enlumine en 1913.

Design textile et d’intérieur
C’est Sonia encore qui est à l’origine des ateliers où, en rapport avec son travail pictural, elle se lance dans des projets touchant à tous les domaines de la vie (motifs pour des tissus et des vêtements ; costumes pour le théâtre, le ballet et le cinéma ; design d’intérieur ; publicité…). Il s’agit d’une véritable manufacture mais aussi d’une vision de la vie moderne, qu’elle décrit comme l’avenir de la production de mode : « Il y aura des centres de création, des laboratoires de recherche travaillant avec le design pratique des vêtements, en développement constant parallèle aux nécessités de la ville. »

Si Robert est moins présent dans cette aventure, il occupe en revanche une place centrale à ce moment essentiel de leur carrière qu’est leur travail en commun pour l’Exposition internationale des arts et techniques appliqués à la vie moderne de 1937 (palais de l’air et palais des chemins de fer). Ces grandes décorations murales démontrent que l’abstraction fondée sur les rythmes et les ondulations chromatiques peut s’adresser à « l’Homme qui sent, qui fait appel à ses facultés intuitives qu’il rend concrètes, tangibles, par le langage universel de la couleur », déclare-t-il. Bref, un art social par excellence.