Memling en majesté

BRUGES - Sous le titre "Hans Memling, cinq siècles de réalité et de fiction", seront réunis des tableaux comptant parmi les plus importants de l’artiste, comme le Triptyque de la Vierge à l’enfant (ca.1465-1467) de Kansas-City – révélateur des débuts de l’artiste –, le Jugement dernier (1467-1471) de Gdansk – sans doute la réalisation la plus monumentale de Memling –, la Passion du Christ de Turin (1470-1471) – où fourmillent de petites actions narratives – ou le Christ bénissant (1478) de Pasadena. Parmi les portraits, quelques pièces importantes sont au rendez-vous, comme ce Portrait d’homme, daté de la fin des années 1470, conservé au château de Windsor ou L’homme à la flèche (ca. 1478-1480) de Washington.

Autour du noyau formé par les quarante et un tableaux de Memling, l’exposition réunit documents, manuscrits, objets d’art, et quelque cinquante œuvres (tableaux, copies, gravures et dessins) d’artistes des XVe et XVIe siècles comme Rogier van der Weyden, Julius Goltzius, Stefan Lochner ou Gerard David. Un ensemble fastueux, qui remettra en lumière le contexte et l’influence de l’œuvre de Memling, en même temps que l’histoire de son œuvre jusqu’à sa redécouverte au siècle passé. L’exposition se présente ainsi comme un panorama de la peinture flamande au tournant du XVe siècle, moment historique essentiel.

Né vers 1435 près de Francfort, Hans Memling acquiert en 1465 le droit de bourgeoisie de la riche cité flamande. Sorti de l’atelier du tournaisien Rogier van der Weyden, Memling s’impose très vite comme un des principaux artistes brugeois, aux côtés de Petrus Christus qui vient de faire l’objet d’une vaste exposition au Metropolitan Museum de New York. Lorsque ce dernier décède en 1472 ou 1473, Memling s’impose comme le seul portraitiste brugeois. Si l’essentiel de son œuvre a été réalisé pour l’Église et pour la riche bourgeoisie brugeoise, il a aussi répondu à des commandes de patriciens italiens comme les Portinari.

Une dimension lyrique personnelle
Le réalisme liturgique qui avait marqué jusque-là la peinture flamande évolue avec Memling. Celui-ci transforme l’espace environnant en un climat sentimental qui ne s’arrête jamais aux éléments dramatiques, mais préfère mettre en exergue les éléments joyeux d’un quotidien pacifié. La critique lui reprochera son manque de fanatisme religieux et l’absence de profondeur dans l’observation, alors que Memling instille dans l’image liturgique une dimension lyrique nouvelle qui bouscule l’objectivité de l’icône.

L’image s’intériorise et gagne en sensibilité, tout en recherchant l’exercice sensuel d’une beauté dépouillée de tout accidentel. Loin du réalisme et de la profondeur signifiante du détail d’un Van Eyck, Memling libère l’action du temps présent pour la laisser refluer dans un monde intérieur plus rêvé que vécu. Aux antipodes des formules pathétiques de Rogier van der Weyden, il épure la forme pour y consacrer sa sentimentalité lyrique. Memling puise ainsi dans la tradition un registre d’icônes, qu’il reprend à son compte et interprète en les plaçant dans un contexte narratif jusque-là inconnu.

Aux figures exemplaires de ses prédécesseurs, il substitue de petites scènes narratives qui s’enchaînent comme dans un songe. L’organisation de l’espace se transforme elle aussi. Le Flamand emprunte aux Italiens des rudiments de perspective, pour étaler horizontalement l’espace dans lequel les figures se répartissent. Memling joue en scénographe, afin de trouver l’effet expressif dans un flux où les figures se déploient avec grâce. Le travail se révèle précis, équilibré, les effets recherchés, les tensions concertées, les formes élégantes mûrement étudiées. Memling ne cherche pas l’autorité dans l’austérité d’une grave révélation, mais l’harmonie condensée en un souffle léger.

L’œuvre de Memling sera aussi appréhendé à travers les techniques d’investigation moderne. Rayons X, infrarouge, thermoluminescence et réflectographie ont largement contribué au renouvellement des recherches dans le domaine de la peinture flamande des XVe et XVIe siècles. Le cas Memling mérite qu’on s’y arrête, puisque l’examen scientifique a permis de comprendre comment l’artiste concevait, élaborait, corrigeait sans cesse ses compositions jusqu’à l’instant ultime d’un achèvement parfait. Le graphisme nerveux des mises en place contraste nettement avec cette apparente détente qui frappa tant la critique. Chaque repentir, chaque correction, témoigne d’un désir et révèle le projet de l’artiste.

Cette exposition amène à s’interroger sur la nécessité de déplacer des œuvres connues pour leur fragilité. Le débat, déjà lancé à propos de l’exposition Petrus Christus à New York, doit être tempéré par les soins attentifs apportés aux conditions de transport et d’exposition. Ainsi, à Bruges, le nombre de visiteurs admis par heure devrait être limité.