Le Louvre dévoile sa Sainte-Anne

PARIS - Bénéficiant d’une impressionnante campagne de communication, la Sainte Anne de Léonard s’affiche partout dans Paris, en unes des magazines, devantures de kiosques, dans le métro, à l’arrière des bus. L’événement était pour le moins attendu. D’une opération de restauration devant aboutir à une exposition dossier, le projet a pris une ampleur telle qu’il occupe aujourd’hui tout l’espace d’exposition du hall Napoléon du Louvre. Le commissaire de la manifestation, Vincent Delieuvin, jeune recrue du département des Peintures, s’est lancé dans une vaste enquête retraçant la genèse de ce chef-d’œuvre auquel Léonard de Vinci consacra la fin de sa vie. « C’est en quelque sorte la suite de l’exposition organisée à Londres. Le parcours vise à faire comprendre l’évolution de l’œuvre, et faire entrer le visiteur dans l’atelier de Léonard, pour essayer de voir tout ce qui s’y est passé », explique-t-il. Pas à pas, le parcours suit l’élaboration du tableau pour en révéler les grandes étapes avant d’évoquer son influence au XVIe et jusqu’au XXe siècle – une deuxième partie d’exposition un peu longue dans laquelle le conservateur s’est fait plaisir en associant à son propos rien de moins que des œuvres de Michel-Ange ou Raphaël. Discrète et efficace, jouant sur les différents points de vue, la scénographie sert au mieux le discours scientifique. Bénéficiant de prêts exceptionnels, comme les 22 dessins de la collection de la Reine Elizabeth II, la démonstration débute avec trois études de proposition témoignant de la technique expérimentale de Léonard pour disséquer le mouvement. Aux côtés des divers dessins préparatoires de la main du maître, des versions d’atelier, copies d’époque et variantes, de qualités très inégales, montrent comment la composition a évolué au fil du temps. Au cœur de l’espace, point d’orgue de l’exposition, la Sainte Anne s’offre au visiteur aux côtés du très fragile carton de Burlington House exceptionnellement prêté par la National Gallery, à Londres.

L’éclairage, très délicat qui enveloppe les deux œuvres ne permet pas de mesurer pleinement l’intervention réalisée sur le tableau du Louvre, mais, pour Ségolène Bergeon Langle, ancienne directrice du service de restauration des peintures des musées nationaux et de l’Ifroa (actuel Institut national du Patrimoine), qui avait donné sa démission du Comité scientifique constitué pour l’occasion, la restauration a été trop interventionniste. Les panneaux explicatifs indiquent, a contrario, une opération exemplaire. Dans le catalogue, Pierre Curie, responsable de la filière Peinture du département de restauration du C2RMF, et la restauratrice du tableau, Cinzia Pasquali, affirment que la fragilité des tableaux de Léonard n’est pas avérée – la couche picturale serait une « matière extrêmement résistante » – et que le sfumato est une vue de l’esprit – ce ne serait « ni une technique, ni une façon de peindre, ni une matière ». Interrogé sur ce point, l’historien et chercheur Jacques Franck, s’en étonne : « L’emploi du mot sfumato pour désigner un modelé très fondu fut adopté en Italie dès le XVIe siècle. Léonard lui-même utilise le verbe sfumare (faire vaporeux, fondre) et son participe passé substantivé sfumato pour en parler ». Relativiser la fragilité des œuvres de Léonard, de même que nier l’incroyable finesse du sfumato, n’a rien de fortuit : cela balaye d’un trait les craintes à vouloir les restaurer… D’ailleurs, la présentation du Saint Jean Baptiste ou de La Vierge aux rochers, peu mis en valeur relativement à la Sainte Anne, ne constitue-t-elle pas un appel, à peine dissimulé, pour restaurer les autres Léonard du Louvre ? Encore faudrait-il être disposé à porter un regard critique sur l’acte accompli, et, enfin, lancer le débat qui s’impose sur les méthodes et moyens actuels de la restauration.