Varier les plaisirs

PARIS - Le procédé de la “variante”, qui consiste à redessiner un même motif ou une même composition en les modifiant, remonte au XVe siècle. C’est l’époque où le parchemin cède progressivement la place au papier, dont l’usage se généralise dans la seconde moitié du siècle. Ce nouveau support, à la fois maniable et souple, permet de disposer les motifs plus facilement et plus librement. Durant la même période, le trait connaît sa seconde libération grâce à l’utilisation croissante des pierres (en particulier la pierre noire) et au perfectionnement des encres et de la plume. La pointe de métal était définitivement supplantée. Sans cette évolution notable des techniques, la variante serait probablement demeurée marginale. Au XVIe siècle, son emploi devient aussi fréquent que celui du papier.

Le dessein du dessin
Pour la première fois, une exposition met en lumière ce procédé tout d’abord pratiqué dans les ateliers italiens de la Renaissance. Organisée par le département des Arts graphiques du Musée du Louvre et par son conservateur Lizzie Boubli, elle tente de dresser une typologie de ses différents genres, mais noie le visiteur sous une avalanche de catégories et de sous-catégories (sont notamment distinguées : la reprise simple ; la reprise composée ; les variantes pour une figure ou une composition ; les variantes progressives, d’assimilation, engendrant des mutations iconographiques, suggérant le mouvement...).
“Sous ses formes les plus savantes, l’usage quasi systématique des variantes est inséparable de la multiplication et de la sophistication des étapes de travail dorénavant consacrées au dessin”, explique Lizzie Boubli dans le catalogue de l’exposition. Dans les botteghe (ateliers) italiens, les artistes se livrent, figure après figure, groupe après groupe, à maintes recherches avant de parvenir à une composition définitive. Leurs tâtonnements constituent aujourd’hui de précieux témoignages, non seulement sur l’apprentissage technique dans les ateliers de la Renaissance, mais aussi sur la gestation de certaines œuvres peintes.
La reprise sur une même feuille d’un motif identique, décliné avec des variantes, illustre le désir de perfectionner celui-ci. Ainsi du dessin à la sanguine (1687) d’Andrea Del Sarto, étude pour la fresque du Tribut à César à Poggio a Caiano. De manière très vivante, l’artiste esquisse, dans son intégralité et par fragments, de face et de profil, un chien descendant des marches.
La juste disposition d’une figure ou d’un groupe de figures donne également lieu à de nombreuses variantes, où dessin et dessein se confondent. En témoignent notamment les différentes attitudes adoptées par Adam sur une feuille de Raphaël, étude pour la Tentation d’Adam et Ève qui orne la chambre de la Signature au Vatican (1508-1511). Ces croquis rapprochés d’un même personnage dans diverses postures donnent parfois l’illusion de mouvement. C’est le cas de la figure répétée d’Alexandre, dont les bras semblent progressivement s’ouvrir dans l’étude de Paolo Véronèse, ou encore des athlétiques Guerriers nus de Baccio Bandinelli, qui jouent du bouclier dans toutes les positions. Une même composition peut aussi se décliner sur plusieurs feuilles, afin d’expérimenter des variantes de cadrage, d’ombres et de lumières, etc. Plus rares sont les études donnant lieu à des changements iconographiques. L’une des plus spectaculaires est signée Il Cigoli. Sur une même feuille, Narcisse à la fontaine se métamorphose progressivement en Diane au bain...