Xavier Franceschi, directeur du Centre d’art contemporain de Brétigny-sur-Orge

Quelles ont été vos impressions sur le Congrès interprofessionnel de l’art contemporain (Cipac) qui s’est tenu le mois dernier à Nantes ?
Mettre au centre des réflexions l’artiste et son statut peut logiquement apparaître comme une sorte de nécessité, notamment dans l’idée d’avancer sur une meilleure et vraie reconnaissance de notre champ artistique. Évidemment, la chose n’est pas si simple : dans le domaine des arts plastiques, les artistes sont a priori des personnes individuelles. De ce fait, ils n’ont pas les moyens de défense de certains professionnels du spectacle vivant, par exemple, qui, de par leur organisation de travail, ont pu se structurer et obtenir un statut. Ce statut fait l’objet d’attaques permanentes, mais il demeure quand même un acquis. Nous n’en sommes donc pas là, nous n’avons pour le moment pas de réponse, mais le simple fait de poser la question, d’en débattre et d’y travailler est déjà un signe positif. En parallèle, l’autre signe fort est la constitution de la Fédération – regroupant les associations des Directeurs de Centre d’art (DCA), des Écoles d’art (ANDEA) et des Frac (ANDF) – qui en ce sens indique une meilleure structuration de notre secteur, qui manifeste cette évolution indispensable que l’on doit suivre si l’on veut avoir plus de poids, notamment vis-à-vis des décideurs politiques.

Justement, cette fédération regroupe des institutions différentes, mais qui mènent des actions de plus en plus comparables. N’y a-t-il pas auprès des élus et du grand public un risque de généralisation ?
Il est certain que les structures a priori différentes que sont les centres d’art, les Fonds régionaux d’art contemporain et les écoles d’art ont tendance à se rapprocher – et c’est tant mieux –, tant certaines de leurs missions – la recherche, la production d’expositions et d’œuvres, l’édition, la diffusion – s’avèrent en réalité de plus en plus partagées. Il me semble que dans ce contexte, ce sont bien les centres d’art qui à terme auront à se redéfinir s’ils ne veulent pas être remis en cause. Contrairement aux Frac et aux écoles d’art, qui conservent des spécificités très lisibles – un aspect patrimonial pour les uns, une mission d’éducation pour les autres –, on peut par contre s’interroger sur la légitimité de centres d’art, surtout à l’heure de la multiplication des lieux alternatifs et des fondations.

La Délégation aux arts plastiques (Dap) va créer un fonds spécifique pour la production. Quel est votre avis sur cette initiative et, plus généralement, comment situer le rôle d’une institution, dans la production d’œuvres, notamment par rapport aux galeries ?
S’il est une spécificité des centres d’art, justement, c’est peut-être bien celle-là, celle de la production d’œuvres. Pour l’avoir pratiqué avec succès, il serait bien inconvenant de ne pas se réjouir de voir le principe se développer à une autre échelle. Le tout est de savoir quels vont être les modes d’application d’un tel fonds, de quelle façon vont pouvoir s’opérer des liens avec les systèmes existants, par exemple. Il me semble, de toute façon, que cette initiative s’inscrit dans une logique déjà bien établie, notamment dans les démarches artistiques elles-mêmes, où le principe même de production a pris une place fondamentale. Pour ce qui concerne le rapport avec le réseau des galeries, il est très clair : des contrats passés avec les artistes stipulent, entre autres choses, un remboursement des frais de production en cas de vente.
 
L’Association française d’action artistique (Afaa) a décidé de mener une politique plus sélective pour assurer la promotion des artistes français à l’étranger.
D’une certaine manière, ils n’ont pas tellement le choix. Il faut rappeler les budgets de fonctionnement qui sont ceux de l’Afaa ou de la Dap. On critique volontiers ces institutions, mais on oublie quelles sont leurs marges de manœuvre. L’idée de se concentrer et de s’engager plus fortement vis-à-vis de certains lieux peut sembler assez logique.

L’année 2002 va être marquée par l’ouverture de deux centres d’art à Paris, le Palais de Tokyo et le Plateau. Qu’attendez-vous de ces structures ?
Je pense qu’on est tous assez impatients de voir ce que cela va donner. Ce qui est sûr, c’est qu’il était absolument indispensable d’avoir ce type de structure à Paris. Je ne crois pas que l’on puisse s’en tenir à dire que cela va à l’encontre d’une décentralisation par ailleurs souhaitable. Concernant le Palais de Tokyo, j’y vois comme l’aboutissement de l’essor d’une scène française, qui grâce à cet outil va pouvoir s’inscrire avec plus de force dans le concert international, pour revenir à ce sujet. Je crois d’ailleurs qu’il sera bon de prévoir de commander dans quelques années un nouveau rapport à M. Quemin... Le projet du Plateau me semble plus complexe dans la mesure où l’on se demande comment va fonctionner l’association avec le Frac Île-de-France. Mais l’aventure qu’il constitue déjà est réjouissante. En tout état de cause, ces deux structures vont redessiner le paysage de l’Île-de-France qui, jusque-là, en matière de soutien à la création, se caractérisait par une implantation en périphérie. À l’image des centres d’art à l’échelle nationale, il faudra là aussi trouver les bonnes réponses si l’on veut conserver tout un ensemble de lieux dont les artistes ont toujours besoin.

Quelles expositions ont attiré votre attention récemment ?
J’ai particulièrement apprécié l’exposition de Steve McQueen chez Marian Goodman. Il y a à la fois une légèreté – l’œuvre semble naître à chaque fois de presque rien, de quelque chose d’indéfini – et en même temps, il se dégage paradoxalement une vraie gravité, quelque chose d’essentiel. Toucher à l’essentiel avec peu de moyens, c’est plus que rare. L’exposition de Neal Beggs à la Zoo-galerie, en marge du Cipac, m’a fait sourire, tant la situation de l’artiste qui s’obstine à s’accrocher – notamment dans cette vidéo, où il fait le tour d’une pièce à mi-hauteur avec force piolets et chaussures crantées – paraissait vraiment d’actualité... Quant à “Traversées” au Musée d’art moderne de la Ville de Paris, il faudra quand même s’interroger un jour sur ce type d’exposition où le foisonnement et l’énergie semblent être en soi le seul et véritable but poursuivi, le seul objet de la proposition, au détriment de l’œuvre et des artistes. De plus, ériger “l’invitation à inviter” en principe exclusif me semble être un véritable non-sens. Lorsque la rencontre entre divers champs d’activités se produit, elle est rarement provoquée mais s’opère plutôt dans la logique de démarches déjà établies. J’ai vraiment l’impression d’assister depuis quelque temps, parce que ce n’est pas la première exposition de ce type, à des sous-produits d’une pensée – le relationnel – ayant certes analysé avec pertinence la pratique de certaines des démarches les plus novatrices des années 1990, mais qui se trouve victime de son succès. Alors, au Palais de Tokyo, je ne doute pas que Nicolas Bourriaud, justement, saura éviter ces écueils et remettre les pendules à l’heure.