Portraits post mortem

Un brin lugubre, cette exposition ne manquera pas de rappeler à ceux qui ont vu le film d’Alejandro Amenabar, Les Autres, la scène où Nicole Kidman découvre avec effroi le livre des morts. La pratique du dernier portrait a bel et bien existé. Plus connue sous la forme du masque mortuaire, elle revêt au cours des siècles divers aspects : picturale, graphique et, à partir de 1840, photographique. Les quelque 200 œuvres exposées vont de la fin du Moyen Age avec le masque mortuaire présumé de Battista Sforza (1472), au XXe siècle, illustré notamment par la photographie de Mère Teresa (1997). Le parcours proposé, à la fois thématique et chronologique, nous invite à regarder la mort en face, à découvrir une pratique sociale aux frontières de la création artistique.
Avant qu’elle ne se démocratise, la tradition du dernier portrait est d’origine royale. Lors des funérailles d’un monarque, l’on portait en cortège une « feinte », c’est-à-dire un moulage de son visage et de ses mains. En France, à la fin du XVIIIe siècle, les affres de la Terreur rendent son usage courant. On découvre ici le rôle singulier joué par Madame Tussaud. Cette Strasbourgeoise fit sa fortune en récupérant en accord avec le bourreau Sanson les têtes des guillotinés afin de les mouler avant qu’ils ne fussent jetés dans la fosse commune. On lui doit les derniers portraits de Marat (1793) et Robespierre (1794). Sous la Restauration, le phénomène revêt parfois une ampleur sans précédent. Le masque de Napoléon Ier, réalisé en 1821, est ouvert à souscription par son auteur, le chirurgien Antommarchi, et rencontre un franc succès (il est encore diffusé de nos jours par les ateliers de la Réunion des Musées Nationaux). En 1824, Théodore Géricault meurt à l’âge de 33 ans. L’empreinte de ses traits décharnés par la maladie alimente la légende de l’artiste maudit. Son masque devient objet de culte et prend place dans de nombreux ateliers d’artistes. Sous la troisième République, le dernier portrait connaît son apogée et c’est à un véritable panthéon des grands hommes que nous sommes conviés : Adolphe Thiers, Paul Verlaine, Gustave Courbet, etc.
Les photographies post mortem de personnalités sont même choisies pour faire la couverture de L’Illustration (c’est le cas de Victor Hugo en 1885 et de Rodin en 1917). L’atmosphère se fait plus oppressante lorsque l’on aborde les photos de famille du XIXe siècle. Il s’agit de daguerréotypes d’enfants en bas âge dont ce sera l’unique portrait, de personnes âgées jamais photographiées de leur vivant. En vertu de la volonté de leurs proches, les défunts prennent la pose. Pour cette ultime preuve de leur existence, ils apparaissent assis, les yeux ouverts en un regard à jamais éteint. Mais le dernier portrait, c’est aussi le « réflexe » de l’artiste qui prend comme modèle un proche disparu. C’est le cas de Monet qui peint sa femme Camille revêtue de sa robe de mariée comme le veut la coutume (1879) ou de James Ensor qui brosse le combat perdu de sa mère avec la maladie en 1915. Une pratique curieuse mentionnée dans L’Œuvre de Zola. Des toiles et dessins de Munch, Seurat, Hodler qui par leur distanciation soulagent le visiteur, confirment en quelque sorte l’affirmation de Goethe pour qui « la mort (était) un piètre portraitiste ».