Gruber & Buffet

L'un est né en 1912, l’autre en 1928. L’un a vu sa carrière brutalement interrompue à l’âge de trente-six ans au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, victime de la tuberculose ; l’autre a développé la sienne tout au long de la seconde moitié du siècle pour mettre fin à ses jours en 1999. Malgré ces différences, Francis Gruber et Bernard Buffet comptent parmi les figures les plus manifestes d’une problématique de la représentation de la figure telle qu’elle s’est posée dans les années 1930-1950. Gruber et Buffet, deux destins qui, s’ils sont différents, n’en présentent pas moins des points communs : un même don graphique, un même ascétisme, une même force expressive.

Gruber, ouvre la voie
Natif de Nancy, fils d’un peintre verrier originaire d’Alsace qui s’est installé à Paris, Francis Gruber montre très tôt d’évidentes aptitudes artistiques qu’encouragent Braque et Bissière, voisins de l’atelier paternel. Dès dix-huit ans, il se fait remarquer au Salon d’automne par une grande habileté technique. Passionné par Bosch, Grünewald, Dürer et Callot, il engage une œuvre qui balance entre expression des sentiments et construction rigoureuse. Après avoir peint des kermesses aux couleurs violentes, il donne dans le fantastique et le tragique, multipliant les allégories où transparaissent les malheurs et la tristesse au fur et à mesure que le hante l’horreur de la guerre.
Adepte d’une approche engagée de la création et grand défenseur d’une « utilité sociale de l’art », Gruber aspire à un art lisible et accessible à tous. Mais ses arbres décharnés, ses grandes figures esseulées et isolées sont à l’image d’un monde désolé, voire désespéré. Quelque chose d’un expressionnisme cruel y est à l’œuvre dont témoigne la seule exposition qu’il fait en 1945 à la galerie Roux-Henschel. Les quinze toiles qu’il y présente dont un symbolique Job et une emblématique Femme sur un canapé montrent une forme de « misérabilisme » qui alimentera une certaine tendance de l’après-guerre.

Buffet, l’enfant prodige
Dans l’immédiat de celui-ci, Bernard Buffet emprunte la voie ouverte par Gruber. Reçu à quinze ans à l’École nationale des beaux-arts, il se voit attribuer le prix de la critique à vingt ans. Dès 1947, ses premiers personnages anguleux le classent dans la mouvance expressionniste misérabiliste. Cantonnant sa palette à des gris, des noirs, des bistres et des verts, il développe une œuvre dont le réseau de lignes droites et sèches instaure un système pictural singulier comme en témoignent son Nu à la chaise (1947) et sa Crucifixion (1951). Violemment opposé aux artistes tant abstraits que réalistes, Buffet fait cavalier seul et réussit à imposer son style.
Très vite populaire, il décline au fil du temps les sujets les plus divers : La Passion du Christ (1952), Jeanne d’Arc (1958) et des portraits d’Annabel (1961). Au milieu des années 1960, s’il réactualise son vocabulaire formel par l’apport de couleurs crues et de formes disloquées : La Corrida (1967), La Révolution française (1978), New York (1991), Les Sept Péchés capitaux (1995), etc., il se voit peu à peu lâché par la critique et par les musées. Pourtant, Warhol le considère comme le plus grand peintre français et il est adulé par les Japonais qui lui consacrent un musée.