Les arts « primitifs » sortent enfin de l’anonymat

Des « antiquités » d’une époque primitive indéfinissable : c’est ainsi que l’on a longtemps regardé les statues, masques ou objets rituels d’Afrique. Leurs auteurs ? Aussi anonymes que ceux d’objets archéologiques exhumés dans des fouilles illégales. Car, si leurs œuvres ont fasciné par leur esthétique les artistes d’avant-garde comme Braque, Picasso, Vlaminck, Derain ou Matisse qui se sont inspirés de leurs formes, eux sont restés dans l’ombre de leurs collectionneurs. Pourtant, ces sculpteurs étaient des individus formés par des maîtres et reconnus pour leur talent, leur œil, leur main. L’exposition « Les Maîtres de la sculpture de Côte d’Ivoire », conçue par l’ethnologue Eberhard Fischer et Lorenz Homberger, respectivement directeur émérite et ancien conservateur de l’art africain et océanique au Museum Rietberg de Zurich, et présentée à Paris au Musée du quai Branly en 2015, a attiré récemment l’attention sur l’histoire singulière de ces artistes africains qui ont produit aux XIXe et XXe siècle des sculptures relevant de l’histoire de l’art universelle. Ce faisant, elle a contribué à forger un nouveau regard sur les arts dits « primitifs ».

L’évolution de notre regard sur l’art africain a sans doute été amorcée par les travaux menés au cours du XXe siècle par l’ethnologue Hans Himmelheber, né en 1908 et mort en 2003, qui fut le premier à s’être intéressé à ces artistes – à leur vie, à leur formation, à leur pratique. C’est grâce à lui que furent identifiés des artistes comme Kuakudili, né vers 1890 au sein de l’ethnie Yaouré, le premier sculpteur de Côte d’Ivoire dont on connaît l’aspect physique ainsi que les masques et figures qu’il créait. On les reconnaît à leur style (yeux en demi-lune, nez effilés, collerette dentelée ceignant les visages).

Dans son sillage, l’étude des ateliers locaux et des maîtres de la sculpture traditionnelle africaine s’est peu à peu développée au cours des années 1970, lorsque « des universitaires britanniques, suivis par des Américains, commencent à étudier les variations de style locales et déterminent les maîtres sculpteurs qui en sont à l’origine », nous explique Eberhard Fischer qui, lui-même, œuvrait alors au sein du Museum Rietberg de Zurich pour sortir des artistes africains de leur anonymat supposé. « L’exploration de l’aire de création artistique “Côte d’Ivoire” par des chercheurs en sciences de l’art en est à ses débuts. Concernant les nombreux ateliers du Nigeria du Sud qui produisaient des sculptures pour les Yorubas, les Binis, les Igbos et les Ijaws, la recherche est plus avancée et les résultats se sont affinés. Quant à l’étude des sculpteurs du Cameroun, du Gabon et de certaines régions de création artistique du Congo, elle commence tout juste aussi, avec des résultats déjà passionnants. La recherche sur les artistes en Afrique est donc encore un vaste territoire toujours en friche, mais extrêmement fertile », souligne Eberhard Fischer dans le catalogue de son exposition « Les Maîtres de la sculpture de Côte d’Ivoire ».

Cependant, l’intérêt du monde de l’art pour les « signatures » des chefs-d’œuvre africains se développe surtout depuis le début des années 2000. Il se manifeste en 2001, lorsque le marchand Bernard de Grunne organise à Bruxelles une exposition « Mains de maîtres », accompagnée d’un catalogue érudit. Son propos : à travers des œuvres importantes provenant de diverses régions d’Afrique, repérer les manifestations d’un style individuel. L’exposition « Les Maîtres de la sculpture de Côte d’Ivoire », en 2015, s’intéresse non seulement à la « patte », mais aussi aux vies de ces artistes, dont certains jouissaient en effet d’une large renommée et bénéficiaient d’un statut social privilégié, en s’affranchissant de l’idée ethnologique selon laquelle ces pièces étaient l’œuvre d’artisans. Ainsi prennent chair des artistes comme Uopié, « maître sculpteur incontesté de sa génération » pour ses masques au menton court et pointu et aux yeux en fentes horizontales ; Sra, sculpteur élevé de son vivant au rang de quasi-dieu, ou encore Tamé, excellent lutteur, qui n’avait pas son pareil « pour donner aux histoires un tour dramatique et parler des temps primordiaux et de Dieu ».

Parfois, les noms des artistes n’ont pu encore être retrouvés. Alors, de la même façon que l’on désigne depuis le XIXe siècle nos maîtres anciens du Moyen Âge par des noms de convention (« maître du feuillage brodé » ou « maître du retable des Augustins »), on nomme désormais les maîtres africains d’après les marchands qui rapportèrent leurs œuvres (« maître de Kamer ») ou des désignations géographiques, comme le « maître de Totokro ». À moins que l’on ne s’appuie sur des caractéristiques descriptives, comme le « maître de la coiffure en crête-de-coq », le « maître du dos cambré » ou le « maître des parasols » ! Si le marché encourage ces attributions dont il tire profit, l’enjeu de cette sortie de l’anonymat pour notre construction de l’histoire est majeur, en ce qu’il reconnaît les sculpteurs africains comme tels. « Lorsque je rédige une légende pour une œuvre d’art, je préfère écrire “artiste/atelier non encore identifié” plutôt que “artiste anonyme”. C’est la seule façon de donner du crédit aux créateurs des œuvres que nous admirons », conclut Eberhard Fischer.