Le jeu video est-il une nouvelle forme d’art ?

Il suffit d’embrasser l’actualité culturelle pour constater que, à première vue, la légitimité artistique du jeu vidéo ne fait plus guère débat. Campé en « 10e art » par le ministère de la Culture, intégré en 2019 au pass Culture, il est, en cette rentrée, au cœur d’une série d’expositions. Au Palais des beaux-arts de Lille, la 8e édition d’Open Museum donne ainsi carte blanche à deux studios français, Ankama et Spiders, pour dialoguer avec les collections permanentes. De son côté, au Centre Pompidou-Metz, le critique d’art commissaire de l’exposition Hans Ulrich Obrist souligne son impact sur la création contemporaine. « Worldbuilding n’est pas une exposition sur le jeu vidéo », prévient pourtant le commissaire star. Casques de VR, images 3D, bornes d’arcades et manettes : à première vue, rien ne manque. Si ce n’est que les œuvres du parcours sont pour l’essentiel des projections, des installations ou des films en VR. Non seulement les « vrais » jeux, qui supposent la participation d’un joueur, sont plutôt rares, mais ils s’attachent surtout à en défaire les règles ou à en entraver l’action (voir encadré p. 45). De l’aveu de Hans Ulrich Obrist, l’enjeu de l’exposition est ailleurs : « Un des objectifs est de déjouer les stéréotypes, le sexisme et le racisme très présents dans les jeux vidéo. » Surtout, il s’agit de tirer parti de leur extraordinaire popularité : « Le monde du jeu vidéo, avec ses trois milliards de joueurs partout sur la planète a une sphère d’influence énorme, note le critique d’art. Le mettre en lien avec l’art contemporain me paraît extrêmement productif. »

Parce qu’il est populaire, le jeu vidéo constitue pour les institutions une porte d’entrée vers le musée. « Le jeu vidéo est incontournable, car il fait partie des pratiques culturelles des plus jeunes, explique Bruno Girveau, directeur du Palais des beaux-arts de Lille. En donnant carte blanche à deux studios français pour la 8e édition d’Open Museum, nous savions qu’on pouvait attirer un autre public. » À ce jour, le pari est déjà gagné : « Nous voyons beaucoup de jeunes et de primo-visiteurs, qui ne viennent pas forcément voir d’autres expositions », note Bruno Girveau. Même constat pour Hans Ulrich Obrist : « Quand Kaws a infiltré artistiquement le jeu Fortnite, en 2022, son exposition virtuelle a reçu 150 millions de visiteurs en deux semaines ! Nous avons alors vu converger un public plus jeune à l’exposition New Fiction, qui se tenait parallèlement à la Galerie Serpentine. »La place du jeu vidéo dans les pratiques culturelles pourrait ainsi expliquer l’attrait des institutions artistiques pour l’interactivité et l’immersion. Si bien qu’on finit par se demander si leur volonté de lui faire enfin une place signe moins sa reconnaissance en tant que discipline artistique que la « ludification » d’espaces d’art en quête de nouveaux publics. À Lille, l’exposition Open Museum affiche ces deux objectifs. « Nous avons voulu montrer que le jeu vidéo est aujourd’hui une forme d’art, explique Bruno Girveau. Le parcours de l’exposition dévoile donc les façons de le concevoir et montre ses similitudes avec les beaux-arts. » Dans les collections permanentes, les studios Spiders et Ankama soulignent cette porosité : « Un peu à la manière du cinéma, le jeu vidéo mobilise tous les arts qui existent, de l’architecture à la musique, mais y ajoute l’immersion », explique le dessinateur Xavier Banteignie, alias Mary Pumpkins, Designer pour le studio Ankama.

Forcément collective, la création d’un jeu vidéo mobilise en effet une équipe plus ou moins nombreuse, dont les membres viennent de champs divers (programmation, littérature, bande dessinée, peinture ou musique). Mais sa spécificité vient de ce que ces disciplines sont au service d’un même objectif : le gameplay. Cet anglicisme – ils sont nombreux dans dans ce secteur – désigne, selon Sébastien Genvo, professeur à l’université de Lorraine et auteur de Jeux vidéo, la découverte dynamique des règles du jeu dans l’action. On pourrait le traduire par « jouabilité », ou encore par « fluidité du jeu ». Il est en tout cas l’alpha et l’oméga de toute création vidéoludique et dessine un territoire artistique propre : « Le but d’un jeu vidéo est selon moi de faire voyager les gens, de les amener à vivre une expérience dont ils sont le cœur, explique Jehanne Rousseau, cofondatrice et directrice de création du studio Spiders. Cet objectif détermine des choix qui vont rendre l’expérience unique. En découle une narration très spécifique, qui justifie de faire du jeu vidéo un art à part entière, même s’il reste lié aux autres arts. » Le récit, les décors, la musique, le graphisme, les mouvements, etc. : dans un jeu, tout est au service du joueur. « C’est par le gameplay qu’il développe une certaine vision du monde, note Sébastien Genvo. À la différence d’un film, il faut s’y impliquer pour que les règles se déroulent. »Un art sans artistes ?Cette particularité explique sans doute la ligne de partage qui distingue encore le jeu vidéo des neuf autres arts, et donne l’impression qu’ils forment des mondes distincts, où l’un est occupé par les grandes questions existentielles, politiques et sociales et où l’autre est voué au simple divertissement. L’attention portée à l’expérience ludique défie d’abord la manière dont on conçoit l’artiste dans les sociétés contemporaines : « J’ai travaillé avec des auteurs de roman et des réalisateurs, et leur principal problème est d’intégrer un joueur inconnu à la narration, explique Jehanne Rousseau. Que le créateur ne soit pas au centre de l’expérience implique une certaine humilité : son œuvre peut voler en éclat, elle peut être remaniée ou modifiée par le joueur. » À cet égard, il est révélateur que les rares auteurs identifiés de jeux vidéo, comme Hideo Kojima, Peter Molyneux ou Notch, ne doivent pas leur notoriété aux qualités esthétiques de leurs créations, mais bien à leurs innovations en matière de grammaire ludique. « Plus le gameplay est original, plus il y a de chance qu’il y ait un auteur derrière », affirme Hugues Dufour, game designer et auteur de La Civilisation virtuelle : nouvel horizon du jeu vidéo (éditions Fyp).

Dernière difficulté, l’interactivité du jeu vidéo et sa manière propre d’immerger le joueur dans un monde simulé s’exposent difficilement. « Au Palais des beaux-arts de Lille, l’interactivité a été très complexe à valoriser, rapporte Jehanne Rousseau. Un musée est un lieu où le seul sens sollicité est la vue. Y introduire le jeu vidéo vient bouleverser les usages, mais aussi l’espace d’exposition. L’immersion, par exemple, n’est pas simple à mettre en œuvre, car l’espace est donné d’avance et ne se modélise pas comme dans un jeu vidéo. ». À l’inverse, même si elles ont nécessité une médiation particulière, notamment pour expliquer aux visiteurs le fonctionnement des manettes, les œuvres de Worldbuilding se prêtent bien mieux à la monstration. « Les jeux vidéo conçus par l’industrie sont faits pour être joués à domicile ou sur un portable, explique Hans Ulrich Obrist. Les artistes, eux, réfléchissent au médium de l’exposition. Ils s’intéressent à une réalité mixte entre le numérique et l’analogique, et proposent des environnements physiques, tactiles, multiécran, voire des installations. Ce sont des expériences qu’on ne peut pas faire chez soi. » Faut-il alors renoncer à exposer le jeu vidéo ? Et si oui, sa légitimation en tant que discipline artistique à part entière peut-elle se passer d’une monstration au sein des espaces d’art ? « Les manières d’exposer les jeux vidéo deviendront d’autant plus intéressantes qu’on s’affranchira de la nécessité de démontrer leur légitimité artistique », assure Sébastien Genvo. Un exercice d’équilibriste, qui pourrait aussi permettre de transformer l’image élitiste dont pâtit aujourd’hui le monde de l’art. « On coupe tout un public de l’art en le survalorisant, affirme Jehanne Leroux. De ce fait, certains joueurs pensent que le jeu vidéo ne doit surtout pas être reconnu comme un art, car il perdrait alors son caractère populaire. »