Yoko Ono, une célèbre inconnue

John Lennon est tombé amoureux d’elle dès leur première rencontre lors d’une exposition de son travail à la galerie d’avant-garde Indica à Londres en 1966. Yoko Ono vivait alors dans un petit loft de Manhattan et collaborait avec des artistes comme John Cage ou Andy Warhol. « Yes Yoko Ono » rend compte de son rôle en tant qu’artiste clé des années 60-70 dans l’avant-garde new-yorkaise. Quarante années de sa carrière sont couvertes en 150 œuvres : des photographies, des objets, des installations, de la musique, des films expérimentaux, des performances, ainsi que ses travaux réalisés en collaboration avec John Lennon.

«Yes » fait référence à l’une de vos pièces préférées, Ceiling Painting.
Il fallait monter un escalier et regarder au travers d’une loupe et  voir écrit en petit sur le toit le mot « Yes ». Après être monté, Lennon s’exclama : « c’est un grand soulagement car, à la fin de l’escalier, il n’est pas écrit non mais oui ». Quel souvenir en gardez-vous ?
Lennon était enchanté par ce message simple contrastant avec l’ennuyeuse et négative « merde »
à laquelle il associait l’art d’avant-garde. De fait, je n’ai jamais cru qu’il s’y attacherait aussi personnellement et qu’il le mettrait en relation avec ma mission vitale. A ce moment-là, il y avait beaucoup d’éléments négatifs dans ma vie et dans le monde et je voulais montrer une attitude positive pour rééquilibrer ce monde chaotique. L’unique manière d’y arriver était cette positivité de l’élément « Yes ». C’est une expression que j’ai toujours soutenue, une aptitude zen, positive. Cette même dimension est celle que j’ai traduite dans l’art.

John Lennon s’enthousiasma immédiatement pour votre œuvre ?
Je connaissais à peine The Beatles quand il m’a été présenté. J’avais lu des articles à leur propos au Japon et je n’y avais prêté aucune attention. Par contre, il fut immédiatement intéressé par mon travail.

Sean Lennon, votre fils, dit que votre conception de l’art comme forme totale est ce qui fait de vous une artiste unique.
Je ne fais aucune différence entre la musique, le cinéma, le théâtre, les performances ou l’art visuel. Quand j’ai une idée, je choisis le moyen ou plutôt, l’idée choisit le moyen. Je suis amoureuse du concept et l’utilise de manière différente. Pour moi, le concept est la clé de voûte.

Cette capacité à vous exprimer au travers de plusieurs moyens provient de votre éducation, mais n’est-ce pas aussi une obsession de liberté ?
Il n’est pas dans ma nature de me limiter, ni de décider que telle forme de travail sera celle à laquelle j’adhèrerai pour le reste de ma vie. Etre une artiste professionnelle est une expression morte, je préfère rester une dilettante. Par nature, je suis multidisciplinaire. Pour moi, l’art ne se limite pas à un cadre, mais doit être une tentative pour s’isoler et se libérer, ne serait-ce qu’un instant, des distractions mentales. De fait, se servir de plusieurs moyens provient de l’éducation que j’ai reçue. Au Japon, tout le monde s’intéresse à l’art. L’art, c’est apprécier des choses qui ne sont pas nécessairement étiquetées comme art.

Vous êtes née rebelle. Vous avez rompu avec votre famille. Cela vous a-t-il aidée ?
Ma vie a été difficile et j’ai toujours recherché la liberté. J’ai eu une enfance privilégiée mais très solitaire. Mes origines aristocratiques, académiques, ont provoqué une pression sociale tellement élevée que si je ne m’étais pas rebellée je n’y aurais pas survécu. Après avoir rompu avec la bourgeoisie sophistiquée japonaise, j’ai créé un monde intellectuel propre qui m’a permis d’avoir une position sociale. Les années passées avec les Beatles furent très créatives mais aussi une étrange et invisible prison vis-à-vis de l’animosité publique. A un certain moment, cela fut réellement terrible. Etre si sévèrement attaquée par tout le monde m’a rendu plus prudente, plus forte et plus créative.

Toute cette cruauté et cette destruction de votre vie se reflètent dans vos performances.
Pour moi, l’art est le processus même de la vie : expérimental, sensuel et intuitif. L’art n’est pas copier la vie mais au contraire associer la vie à l’art, ce qui est différent. L’état naturel de la vie et de l’intelligence est la complexité. Ce que l’art peut offrir est une absence de complexité conduisant à un état de profonde relaxation du cerveau.

Vous vous êtes érigée en leader de Fluxus. Vous avez toujours prôné que l’idée de l’art et les moyens de sa création sont tout autour de nous.
Dans les années 50 et 60, l’avant-garde à New York était très émouvante, mais, à la fin, elle se transformait toujours en institution. Dès ce moment, j’ai voulu lui échapper en m’occupant de mes travaux et je suis persuadée que la majorité des artistes de cette époque ressentaient la même chose. En réalité, Fluxus n’était pas un mouvement mais quelque chose de spontané, un happening organique. Nous, les artistes, avions besoin d’une plate-forme et cela a été Fluxus.

Vous avez travaillé avec Andy Warhol...
Cela était très divertissant. Warhol jouait avec les cerveaux des gens plus qu’avec l’effet visuel de ses œuvres.

Concevez-vous l’art comme une application de vos idées philosophiques ?
Absolument. Je crois qu’il existe deux sortes d’art, l’un qui est beau mais ne comporte pas de message, qui est pur divertissement. Un second qui comporte un message. les gens peuvent croire en lui, et dans le monde d’aujourd’hui le médium est le message. Les deux se justifient et je suis d’accord avec les deux car il y a deux sortes d’industries : celle de la paix et celle de la guerre. Il y a une incroyable communauté artistique autour de l’idée de paix.

Avec John Lennon, votre art a pris une autre dimension et votre plus grand projet conceptuel fut votre mariage avec lui.
J’ai en même temps découvert l’univers du rock’n’roll et un nouveau monde : les gens du spectacle qui vivent dans une tour d’ivoire et ne pensent pas que ce qu’ils font est pur spectacle. Pour cela, lorsque John devint extrêmement célèbre car il s’est rendu compte de l’effet que ces chansons produisaient sur les gens et s’est senti responsable de donner autre chose que du pur spectacle, nos deux âmes se sont rencontrées. A cette époque, je commençais à me rebeller contre l’avant-garde artistique qui commençait à devenir un lieu de stagnation élitiste.

Quel est pour vous le rôle de l’artiste ?
L’artiste est un simple moyen, comme l’art. Je suis convaincue que le rôle de l’artiste dans la société est très important car nous transmettons aux gens beaucoup de stimuli, d’inspiration et de force.

Lors d’une des conférences de Suzuki, auteur du Livre du thé, vous avez rencontré John Cage.
John Cage était un adepte du Zen et proposait une alternative à l’esthétique moderniste. L’essence du Zen à laquelle il était attaché provoquait un sentiment de rire et le rire est le langage de l’art. Il privilégiait, comme Duchamp, la participation des auditeurs.

Pourquoi est-ce si essentiel que le public participe pour compléter votre œuvre artistique ?
Nous sommes des êtres sociaux et la vie est un dialogue et non un monologue, je veux seulement en montrer l’évidence.

Quelles directions croyez-vous que prend l’art ?
Je crois très important le fait que chaque année s’ouvrent beaucoup de nouveaux musées dans le monde. Pour l’art, il serait bien que les nouveaux musées montrent ce qui n’a jamais été exposé et n’essaient pas d’acquérir des Picasso, des Lichtenstein, des Warhol déjà exposés ailleurs.

Quelles sont vos dernières explorations ?
Actuellement, je m’intéresse à la photographie conceptuelle, aux nouveaux moyens technologiques et à l’art de la vidéo.