Le tour des galeries de New York - avril 2022

New York (États-Unis). C’est le neuvième solo show que Sean Kelly (Chelsea) consacre à l’artiste-performeuse serbe Marina Abramovic. Cette rétrospective en quatre temps est l’occasion de montrer pour la première fois au public américain l’œuvre la plus récente de l’artiste, un film inspiré par sept arias célèbres de Maria Callas intitulé Seven Deaths (2021). Celui-ci côtoie l’une de ses toutes premières performances belgradoises, Rhythm 10 (1973), évoquée à travers un ensemble de photographies et de documents textuels et sonores, ainsi qu’une sélection de ses « objets transitoires » (1994-2015) invitant le visiteur à l’interaction.

Et puis, au centre de la galerie, deux chaises vides se regardent. Sur les murs de part et d’autre derrière elles, six grandes mosaïques vidéo font revivre, en temps réel, les face-à-face de l’iconique performance The Artist is Present (2010) : pendant près de trois mois, à raison de huit heures par jours, 1 500 visiteurs du Museum of Modern Art de New York (MoMA) ont pu s’asseoir silencieusement, à tour de rôle, face à l’artiste. Quelque temps après le début de l’exposition, Sean Kelly et Marina Abramovic ont décidé de mettre aux enchères la possibilité pour un individu et pour un couple de répéter l’expérience une nouvelle fois, sur les chaises de la galerie, le 16 avril prochain. Les bénéfices seront intégralement reversés à un fonds d’urgence humanitaire de soutien à l’Ukraine.

C’est l’autre grande exposition de ce printemps. Quelques rues plus bas, l’artiste américain James Turrell, passé maître dans l’usage de la lumière et de l’espace comme moyen d’expression, investit deux étages de l’immeuble de la galerie Pace (Chelsea). Au rez-de-chaussée, il y présente une nouvelle œuvre, After Effect (2021) : dans une petite salle plongée dans l’obscurité, assis quelques minutes sur un banc, les spectateurs découvrent un cadre lumineux à l’intérieur duquel se dessine progressivement une peinture abstraite multicolore en trois dimensions. L’installation est un hommage aux images d’Ad Reinhardt, pionnier de l’art minimal américain des années 1950. Sept d’entre elles, des monochromes bleus, noirs et rouges, sont visibles à l’étage, dans une présentation à l’éclairage soigné conçue par Turrell, tissant le lien entre abstraction d’hier et d’aujourd’hui.

Ce sont aussi deux étages de sa galerie que David Zwirner (Chelsea) consacre au sculpteur espagnol Juan Muñoz, disparu en 2001. Sept de ses installations les plus importantes, dont l’une de ses canoniques Conversation Pieces (2001) mettant en scène des personnages de culbutos saisis en plein mouvement, racontent une carrière dialoguant autant avec la sculpture classique, l’architecture rococo, Diego Velázquez ou Francisco de Goya qu’avec Alberto Giacometti et la bande dessinée.

Dans son nouvel espace du Lower East Side, la galerie Alexandre accueille la première grande rétrospective new-yorkaise de Pat Adams depuis 2008. Autre figure majeure de l’abstraction américaine d’après-guerre, elle a conçu au fil de peintures organiques et minérales très texturées un langage géométrique singulier. La vingtaine d’œuvres rassemblées, dont certaines pourraient bien rejoindre les collections d’un grand musée, montre une forme d’indépendance vis-à-vis des grands principes d’uniformité et de simplicité qui caractérisaient la peinture new-yorkaise des années 1960 et 1970.

Voilà dix ans que Hong Gyu Shin a fondé sa galerie dans le Lower East Side. À seulement 33 ans, ce prodige Sud-coréen qui collectionne depuis son adolescence des œuvres marquantes « d’artistes marginalisés ou redécouverts » est devenu la coqueluche de la scène artistique new-yorkaise. Pour fêter cet anniversaire, il organise une grande exposition éclectique qui réunit près d’une centaine de grandes signatures de l’art moderne, comme de l’art contemporain : « En combinant des artistes que les courants historiques séparent, je veux montrer que leur art est intrinsèquement connecté », explique-t-il. Egon Schiele, Ernest Mancoba ou Elaine de Kooning dialoguent ainsi avec Carla Prina, Kool Koor et Peyton Freiman. Dans la pièce centrale, une installation évoque le bureau de Shin, sous lequel croulent les correspondances artistiques et les livres, entourée de quelques œuvres de Jackson Pollock, Keith Haring, Marcel Duchamp et Arshile Gorky issues de la collection personnelle du galeriste.

Les caricatures politiques d’Hassan Sharif, publiées dans les journaux qui ont vu le jour à la suite de la création des Émirats arabes unis en 1971, évoquent l’urbanisation et la transformation rapides du pays dont celui que l’on surnomme le « père de l’art conceptuel dans le Golfe » a été le témoin. Alexander Gray Associates (Chelsea) en montre quelques-unes aux côtés de deux séries de grandes peintures des années 2000 au style expressionniste marqué. L’une d’entre elles met en scène un leader politique aux yeux absents, hurlant dans son micro en pleine conférence de presse : « Certains leaders ont tellement confiance en eux qu’à la fin ils deviennent fous. Ils pensent que, lorsqu’ils parlent, des bombes sortent de leur bouche », faisait observer Sharif dans une saillie qui n’a rien perdu de sa pertinence.

Ces images partagent avec la série des Hoodies de Dewey Crumpler une même conception de la satire sociale [voir ill.]. Figures invisibles laissant un vide à l’intérieur des sweats à capuche blancs qu’elles sont censées porter, les Hoodies visitent les allées des grands musées et singent les poses des chefs-d’œuvre de la peinture pour questionner le récit dominant de l’histoire de l’art. Derek Eller (Lower East Side) en a rassemblé un nombre conséquent à l’occasion du premier solo show new-yorkais de Crumpler.

Certaines des œuvres canoniques de l’art occidental ont aussi fait leur chemin jusqu’aux peintures à l’aérographe d’Austin Lee, présentées chez Jeffrey Deitch (SoHo) : celles-ci ont été créées à l’aide d’outils numériques (modélisation 3D, réalité augmentée, capture de mouvement) pour brouiller les frontières entre art virtuel et art physique. « C’est déjà ce que faisait Andy Warhol lorsqu’il réunissait peinture et sérigraphie, la nouvelle technologie de fabrication des images dans les années 1960 », proclame fièrement son galeriste. La comparaison s’arrêtera là.