« Studio Venezia », un projet bien Veilhan

VENISE - L’éphémère plutôt que la durée, l’expérience de l’instant présent en lieu et place de l’installation pérenne, la légèreté du « matériel sonore » préférée à la démonstration visuelle magistrale, au sensationnel. Chef d’orchestre du pavillon français de cette 57e Biennale, Xavier Veilhan a choisi d’être là où on ne l’attendait pas. Tel un producteur en coulisses, son choix de répondre à l’exercice par l’invitation faite à d’autres, artistes, visiteurs, de venir vivre une expérience inédite dans un lieu conçu à dessein, n’est pas anodin. Ce faisant, le plasticien se place dans le prolongement de ses explorations des rapports et correspondances entre musique et arts visuels. Des collaborations multipliées depuis plus de dix ans avec des musiciens aussi différents que Sébastien Tellier, Chassol, le duo Air ou la compositrice Éliane Radigue, élève de Pierre Schaeffer et Pierre Henry. « La Biennale est un lieu où on vient pour enfoncer le clou, affirmer quelque chose, faire une proposition forte. Or ici, elle est déléguée aux musiciens. Mon idée est de créer une situation pour qu’elle puisse aller essaimer dans un champ qui est celui de la musique, plus partagé, avec moins d’a priori que dans l’art contemporain, où un public non averti a presque une forme de timidité et des préjugés pas forcément fondés, mais qui limitent le champ de l’art. » Et d’ajouter : « C’était un développement assez naturel pour moi, avec la volonté de réagir après Charlie Hebdo, le Bataclan, Orlando, qui ont exprimé une violence contre la création. Sans être politique, c’est une affirmation en creux que ce qui nous tient à cœur sont des choses qui peuvent paraître assez futiles comme une fréquence, une vibration, une tonalité, des textures, une fragilité liée à une prise de risque au niveau créatif. On est acculés à être dans la réaction, confrontés à des faits de plus en plus brutaux, absurdes aussi. Nous avons besoin de créer des espaces préservés pour pouvoir continuer à développer des choses qui relèvent de la note à peine émise. C’est important d’affirmer dans un contexte un peu nationaliste et compétitif comme une biennale qu’on peut faire des choses délicates, douces, discrètes, infinitésimales, à la limite de l’insignifiance, pas forcément dans le déploiement. »

Une grotte à l’acoustique parfaite
Au-delà de la déclaration d’intention, en quoi recréer un studio d’enregistrement constitue-t-il une proposition inédite ? Déplacé, hors sujet, voire dénué de proposition dans le cadre d’une exposition dédiée aux arts visuels, diront certains. L’originalité du projet repose, précisément, sur le fait de le présenter dans ce contexte, comme le commencement d’une aventure et non un aboutissement. Que l’art contemporain s’affranchisse de longue date des étiquettes n’est pas une nouveauté. La démarche lui est intrinsèque, pour ne pas dire constitutive. Il s’agit chaque fois pour les artistes de faire bouger les lignes, défricher des espaces au-delà des catégories identifiées. En matière de décloisonnement des disciplines, les références ne manquent pas, du Bauhaus au Black Mountain College de Josef Albers où se côtoient Cage, Cunningham, Rauschenberg… jusqu’à Station to Station de Doug Aitken. De Céleste Boursier-Mougenot, son prédécesseur dans ce même pavillon en 2015, à Tarek Atoui, qui fabrique des instruments de musique à destination des malentendants, les plasticiens contemporains se sont emparés de la musique, soucieux d’en repousser les limites, comme un moyen d’enrichir l’approche plastique au contact des arts de la scène. Faust, sombre, puissante et dérangeante performance d’Anne Imhof dans le pavillon allemand, qui lui a valu de recevoir le Lion d’or de cette Biennale, faisait largement appel à la voix et à la musique. Du reste, cette dernière est toujours allée de pair avec les arts visuels. Le geste conceptuel d’un John Cage dans une pièce aussi emblématique que 4’33’’(1952) tient de la performance. Plus largement, Wagner, l’opéra, la tragédie grecque antique avec ses chœurs embrassaient l’idéal d’un art total, où décors, architecture, effets visuels rejoignent performance musicale et vocale, dans une sollicitation sensorielle démultipliée.

Le pas de côté n’est donc qu’apparent pour le plasticien parisien, plus connu pour ses sculptures in situ et dans l’espace public – à New York, Shanghaï, Séoul ou exposées à Versailles –, son tropisme pour le design et l’architecture, concrétisé notamment à travers « Architectones », série d’interventions dans sept édifices modernistes majeurs à travers le monde. Des centres d’intérêt dont témoigne la conception impeccable de cette coquille à l’acoustique parfaite. Par la qualité de sa réalisation, la grotte de panneaux de bois, inspirée par le Merzbau de Kurt Schwitters est une réussite. « La première contrainte était de se fondre dans le pavillon, mais aussi de le faire disparaître, confiait l’artiste au moment de l’ouverture. C’est un studio très polymorphe. On a une unité de lieu, une unité de temps, mais le studio fait sortir de cette idée, c’est un peu l’équivalent du white cube en art. Un endroit préservé de l’extérieur, tout en ayant des visiteurs qui entrent et sortent, ce qui donne une dimension vivante. Mais contrairement au white cube, le lieu de l’art est un endroit dans lequel on peut tenter des choses, prendre des risques. » Privilégier l’esprit de curiosité, se mettre en position de recherche, considérer que naviguer à vue fait partie de l’intérêt du projet sont ici des maîtres mots. « C’est une des conditions que d’accepter cette indétermination, ne pas très bien savoir où je vais. Même lorsqu’il n’y a pas de musique impliquée, on cherche à créer des formes très précises. On rate presque invariablement, ce qui est un des plaisirs de l’art : voir les choses nous échapper. »

Une performance en continu et interactive
Dans cet écrin d’exception, les visiteurs assistent en live à une performance en continu : non pas des concerts au sens habituel, mais des répétitions, avec ce que cela suppose d’imprévus, un work in progress plus que sa forme achevée. Avec, dans le rôle de l’instigateur, Veilhan en discret, mais omniprésent maestro. Sous le commissariat de Lionel Bovier, directeur du Musée d’art moderne et contemporain de Genève (Mamco) depuis 2016 et Christian Marclay, Lion d’or de la 54e Biennale en 2011 pour sa vidéo The Clock, le plasticien crée un environnement interactif, une installation immersive, un espace évolutif dans lequel les musiciens mais aussi les spectateurs auditeurs sont acteurs, partie prenante. Le « studio » de l’artiste devient celui des musiciens. La logique collaborative prévaut. « C’est un travail collectif, un projet où le plaisir est important. On crée une situation dont la finalité est de rassembler des gens qu’on admire dans une pièce et profiter de leur créativité. On espère que des rencontres inaccoutumées vont produire des choses étonnantes. Par exemple, le compositeur de musiques de films Alexandre Desplat va travailler avec le pianiste Alain Planès. Ce qui m’intéresse, c’est la curiosité, développer des choses expérimentales, plutôt que d’avoir des noms très importants, même si nous en aurons aussi. » Après Venise, le studio itinérant voyagera à la rencontre d’autres scènes artistiques internationales, à Buenos Aires, puis Lisbonne.