Aux sources de l’art russe

Si de nombreuses expositions et publications se sont penchées sur les avant-gardes russes, aucune n’avait jusqu’ici exploré ce qui les a précédées, voire préparées. Dans une approche pluridisciplinaire qui sert parfaitement le propos, le Musée d’Orsay se concentre sur l’art russe de la seconde moitié du XIXe siècle, jusqu’aux premières années du XXe et à la Révolution de 1917.

Après avoir longtemps regardé du côté des modèles européens – notamment l’art italien et l’art français –, les artistes s’orientent dans les années 1860 vers les préoccupations de leur pays et de leur temps. Cette époque, au centre de l’exposition, correspond à un retour aux sources nationales, à la quête d’une identité russe dans toutes les disciplines, peinture, arts décoratifs, sculpture, architecture, arts graphiques et photographie. Ces deux derniers domaines font l’objet de présentations séparées au sein du musée.
Le paysage occupe les premières salles, avec de vastes compositions d’une grande quiétude, montrant la Russie des grandes étendues, le travail des glaneurs et des paysans. La plupart de ces œuvres n’ont jamais été présentées en France.

En 1863, un groupe de peintres refuse à l’Académie de Saint-Pétersbourg et de Moscou de concourir sur des sujets mythologiques, préférant traiter des sujets russes. La « Révolte des quatorze », conduite par Kramskoï – artiste à l’origine du groupe des Ambulants, fondé en 1870 –, marque véritablement le début d’une évolution esthétique ancrée dans les préoccupations de la Russie contemporaine et très liée à la littérature. Ce mouvement ouvre la voie à un réalisme nouveau, dont Répine – Procession religieuse (1881-1883) –, Kramskoï, Savitsky ou Grigory constitueront d’éminents représentants.

Culture populaire
Bien qu’emblématique, la peinture n’est pas le seul domaine où se manifeste ce retour aux sources. La redécouverte des arts populaires joue un rôle décisif. La partie la plus convaincante de l’exposition est sans doute celle qui leur est consacrée. Elle révèle des pièces totalement inédites pour le public français. Sont présentés un riche ensemble d’objets (Service à vin, 1908-1917 ; Nécessaire de bureau de style néo-russe, 1870-1880, en métal doré découpé et incisé), une série de poupées (Les Peuples de l’Empire russe), mais aussi des peintures faisant référence à l’art et à la culture populaires. Les contes inspirent particulièrement Vasnetsov – le très beau Chant de joie et de tristesse (1896) –, Polenova – illustrations de L’Oiseau de feu – ou Bilibine. De cette réinterprétation de la culture populaire, des chants épiques (bylines), de l’histoire et du patrimoine, naît le style néo-russe, caractéristique de la fin du siècle. Deux foyers principaux se constituent, à Abramtsevo (près de Moscou) et à Talachkino (près de Smolensk), avec des artistes comme Mikhaïl Vroubel, peintre, sculpteur et céramiste qui a ici les honneurs d’une salle entière.
Riche et dense, l’exposition exploite un vaste sujet en proposant de nombreuses entrées, sans toutefois prétendre à l’exhaustivité. Les sept pavillons russes de l’Exposition universelle de Paris 1900 sont évoqués par le biais de photographies, d’objets, de tapisseries, de panneaux décoratifs. Puis un ensemble important de plans et dessins d’architecture ainsi que de relevés de monuments dressent un état des lieux du paysage architectural de l’époque et de ses mutations.

En conclusion, l’exposition s’ouvre sur l’avènement de la modernité, soulignant le renouveau de la sculpture et le goût prononcé pour le néoprimitivisme. Elle s’achève avec deux peintures magistrales, une Paysanne (1903) de Maliavine aux couleurs rougeoyantes et Le Bain du cheval rouge de Petrov-Vodkine (1912), qui mêle habilement les leçons du néoclassicisme au chromatisme éclatant, en aplats, des avant-gardes.