Chrissie Iles et Philippe Vergne, commissaires de la Biennale du Whitney 2006

Pour la première fois de son hitoire, la Biennale portera un titre, « Day for night » (« Jour pour nuit »), qui résume aux yeux des commissaires une noirceur caractéristique de la culture contemporaine. Selon eux, beaucoup des œuvres présentées lors de cette édition reflètent un sentiment de prémonition, de peur ou d’anxiété qui s’est imposé comme un thème récurrent dans les centaines d’ateliers d’artistes qu’ils ont visités. Les commissaires reviennent dans cet entretien sur leur sélection, leur désir de ne pas circonscrire l’art américain aux frontières géographiques des États-Unis, et leur conception de l’art politique.

Quelles sont les tendances qui dominent l’art américain actuel ?
Chrissie Iles : Nous avons observé notamment que les artistes s’élèvent contre les diktats du marché. C’est une tendance intéressante qui se reflète dans la part que fait l’exposition au secret, à la confusion et aux identités multiples. De nombreux artistes et groupes de notre sélection travaillent dans l’anonymat ou sous un pseudonyme, et il y a même une œuvre dont le véritable auteur ne sera jamais connu.
Si le contexte de la dernière Biennale était le 11-Septembre et le début de la guerre en Irak, celui de la manifestation actuelle est le cyclone [Katrina], la guerre en Irak et, plus largement, la situation politique qui en découle. Lors de la précédente édition, on pouvait constater presque un sentiment de deuil, une sorte de retour sur soi ; nous voyons aujourd’hui plus de colère, une atmosphère plus rebelle, et certaines œuvres exposées sont très politiques, au sens que donne Philippe à ce dernier terme : il ne s’agit pas nécessairement d’art politique mais d’art fait de façon politique, et c’est une distinction importante.

Comment définissez-vous l’art réalisé de façon politique ?
Philippe Vergne : Je tiens cette idée de l’artiste Thomas Hirschhorn. Il dit très souvent qu’il n’est pas un artiste politique, mais qu’il réalise ses œuvres de façon politique. C’est une distinction importante, car il s’agit d’art avant tout, et d’art qui a un parfum politique, si bien que l’œuvre demeure avant toute chose une sculpture, une peinture ou une installation. Je pense qu’il y a une interrogation très importante qui s’élève aujourd’hui sur ce que nous allons devenir sur le plan politique, économique et social. Cette anxiété est partagée par l’Europe, l’Asie, l’Amérique latine et les États-Unis, et je crois que les artistes sont les premiers à la pointer du doigt.

Comment ces idées seront-elles illustrées dans l’exposition ?
C. I. : La Biennale 2006 est intitulée « Day for night », d’après le titre américain d’un film de François Truffaut des années 1970, La Nuit américaine. L’expression désigne une technique cinématographique consistant à tourner de jour les scènes de nuit. L’idée du jour pris pour la nuit est métaphorique, et porte en elle un moment noir que beaucoup des artistes exposés semblent mettre en œuvre. Elle est néoromantique en ce qu’elle se concentre sur l’irrationnel et l’érotisme.
Conviés à participer, Rirkrit Tiravanija et Mark Di Suvero ont repris la Peace Tower, conçue par ce dernier en 1966. C’est une très grande tour, haute de 12 mètres, où 300 à 400 artistes sont invités à accrocher des images de paix de leur conception. Parmi les artistes invités par Di Suvero en 1966, figuraient Donald Judd et Mark Rothko, et nous cherchons à contacter tous les artistes encore vivants ayant participé à ce premier projet. Une autre partie de l’exposition se tiendra dans ce que nous nommons sans plus de précision « Les urgences ». Cette section réunira des œuvres engagées et politiques, notamment de Richard Serra avec son affiche Stop Bush, une image qui compte.

Vous avez cité nombre d’artistes qui n’ont percé que sur le tard. En quoi cette approche intergénérationnelle est-elle importante ?
C. I. : Le fait d’avoir 25 ans n’implique pas en soi que l’on produise des œuvres intéressantes. Mais si l’on produit quelque chose de neuf à 70 ans, voilà une raison valable de figurer dans la Biennale. Dorothy Iannone est un exemple classique – son œuvre paraît d’une fraîcheur incroyable, ses productions sont voluptueuses, sexy, très libertaires, presque psychédéliques, et en rapport avec ce que font actuellement de jeunes artistes. On recense aujourd’hui au moins quatre grandes foires d’art, sans parler des expositions à Chelsea. Ce que nous voulons faire, c’est réunir un ensemble qui ne se limite pas à la nouvelle vague des jeunes artistes, car c’est ce que font déjà ces foires.

Le fait d’être tous deux des Européens vous a-t-il aidés à concevoir ce panorama de l’art américain contemporain ?
Ph. V. : Nous avons tous les deux travaillé près de dix ans aux États-Unis, et acquis une large connaissance du monde de l’art américain. Pour le Whitney, nous désigner relève d’une conception plus ouverte de sa mission comme institution vouée à l’art américain. Un pas supplémentaire consisterait à confier l’organisation de la Biennale à quelqu’un qui ne vit pas aux États-Unis.