Une féminité biblique

NICE - “Il n’est pas bon que l’homme soit seul. Je lui ferai une aide vis-à-vis de lui”, déclare Dieu dans la Bible, et, de façon révélatrice, l’ouverture de l’exposition ne se fait pas sur le portrait d’une femme seule, mais sur celui d’un couple. Vision apaisée du péché originel en train de se commettre, l’Adam et Ève de Cornelis van Haarlem (1562-1638), hésitant entre l’élongation des corps et un primitivisme renforcé par le support en bois du tableau, montre l’omniprésence de l’homme dans les représentations religieuses de la première femme. Si la voluptueuse Ève au paradis terrestre de Paul Ranson (1864-1909), seule dans les jardins d’Éden, s’affranchit de son alter ego masculin, son origine judéo-chrétienne semble s’effacer au profit d’une sensualité toute païenne. Quant à l’Ève d’Odilon Redon (1840-1916), détachée sur un fond abstrait, elle se transforme en symbole de l’“éternel féminin”.

Figures marquantes du récit biblique, les descendantes d’Ève ne sont pas moins tributaires de l’homme et de Dieu. Cerrini (1609-1681), dans son Abraham renvoie Agar et Ismaël, laisse Sarah dans l’obscurité du seuil de la porte, tandis qu’elle est à l’origine du drame qui se joue au centre du tableau : à la gauche d’une composition marquée par la diagonale, éclairée par un ciel orageux, Abraham bannit  sa seconde épouse et le fils qu’elle lui a donné. Autres épouses en quête de maternité, Rébecca et Rachel sont elles aussi le sujet de nombreuses œuvres comme la baroque Rébecca donnant à boire à Éliézer de Simone Pignone (1614-1698), ou la copie toute classique, réalisée en 1805 par Ingres (1780-1867), de l’Éliézer et Rébecca de Poussin.

Bethsabée et la reine de Saba, séductrices des rois juifs, puis Dalila, interprétée dans une petite aquarelle par Gustave Moreau (1826-1898) en femme fatale et cruelle, poursuivent l’exploration d’un thème, qui s’achève avec Esther et Judith, héroïnes déterminées. Par la violence physique et symbolique de son acte, cette dernière est un sujet intarissable, occasion de nombreux chefs-d’œuvre. Cadrée à mi-corps, une main vers le ciel, l’autre tenant un glaive et la tête décapitée d’Holopherne, elle est, dans la toile ténébriste de Valentin Boulogne (1591-1632), une allégorie terrifiante de la vengeance des justes. Étrangement, aucune des œuvres présentes ne montre Judith en train de commettre son crime. Ainsi, la Judith tenant la tête d’Holopherne du Guerchin (1591-1666), datée aux environs de 1650, porte un regard calme sur le visage quasi christique d’Holopherne, avant que la tête ne soit placée par Judith et sa servante dans un sac d’un blanc immaculé.

C’est à cette femme, agissant en dehors de toute autorité masculine, que revient l’honneur de clôturer cette exposition au thème original, mais dont la présentation iconographique sur le mode “une ou deux femmes, une salle, un cartel”, certes claire et didactique, laisse parfois de côté les spécificités historiques et stylistiques des œuvres. Lacunes que le catalogue, fort documenté, peut toutefois pallier.