De l’esprit des choses

PARIS - « Être commode et d’un maniement aisé, être authentique et se révéler fiable à l’usage, nous apporter réconfort et tranquillité au fil d’une vie commune, nous devenir de plus en plus proche au fur et à mesure d’une utilisation qui se prolonge », telles sont les vertus des objets mingei selon les termes mêmes de Soetsu Yanagi (1889-1961), fondateur de ce mouvement qui débuta au Japon en 1925 (lire le JdA no 280, 25 avril 2008, p. 19).
À travers une sélection savamment dosée d’objets du quotidien, le Musée du quai Branly, à Paris, se fait le porte-parole de cet esprit mingei, depuis la genèse du mouvement, au cours des années 1920, jusqu’à ses ramifications dans le design actuel. Le parcours est un subtil mélange entre présentation didactique et théorisation d’une vision du monde indissociablement liée aux notions de « beauté » et d’« honnêteté ». Le mingei, qui signifie littéralement « artisanat populaire », a été conçu, comme l’écrit Soetsu en 1933, en réaction à la « roublardise, la perversité, le luxe » d’un pays en pleine industrialisation. Façonné par la main de l’homme, l’objet mingei est modeste mais de qualité, bon marché mais solide, contrairement à des productions industrielles de mauvaise qualité, « infidèles » à leur usage initial. Soetsu Yanagi a tiré ces enseignements des nombreux objets qu’il collectionnait. Conservé aujourd’hui au Nihon Mingeikan à Tokyo, un panel significatif de ce fonds est présenté en guise d’introduction à l’exposition, parmi lequel ce pot en porcelaine bleu et blanc de Corée datant du XVIIIe siècle – l’artisanat coréen demeure une référence essentielle pour le créateur –, et une multitude d’objets réalisés par des artisans inconnus. Brisant la règle originelle de l’anonymat qu’avait fixée Soetsu, les créateurs dont il s’était entouré ont fait le succès du mouvement, participant à la revue Kogei et organisant nombre d’expositions. Ils sont ici tous réunis : Shoji Hamada, peut-être le meilleur interprète, selon Germain Viatte, commissaire de l’exposition, de l’esprit mingei par « sa capacité de ranimer les traditions de liberté du geste dans le décor », mais aussi Kanjiro Kawai, Shikô Munakata et Keisuke Serizawa. Sans oublier Kenkichi Tomimoto, dont les porcelaines blanches inspirées de l’artisanat coréen témoignent au mieux de cette manière d’élever l’objet quotidien au rang de production sacrée. « Les pauvres fidèles dont la foi est profonde seront, au Paradis, appelés grands. Je ne doute pas un instant que le mingei reçoive le même honneur », clamait ainsi Soetsu Yanagi dans son ouvrage fondateur en 1933. C’est son fils, Sori Yanagi (né en 1915), qui a su tirer parti du monde moderne et de l’industrie, donnant un nouveau souffle au mingei, avec ses œuvres comme le fameux tabouret Butterfly (1954). Pour Germain Viatte, « sa philosophie annonce celle de designers contemporains comme Naoto Fukasawa et Jasper Morrison, attachés à la notion de “Super Normal” pour désigner des objets dont l’efficacité et l’évidence se sont tout simplement imposées ». Sori Yanagi a été largement influencé par Charlotte Perriand dont il a été l’élève et l’assistant. Arrivée au Japon en 1940, la créatrice a organisé à Tokyo et Osaka l’exposition « Dento – Sozo – Sentaku » (Tradition – Création – Sélection), à partir de ses propres œuvres et de celles des artistes mingei. Autre créateur occidental à s’être nourri de la production japonaise autant qu’il l’a influencée : l’architecte allemand Bruno Taut. Installé au Japon dès 1933, il y enseigna le design et réalisa près de 600 objets en s’inspirant des savoir-faire locaux dans le domaine des laques et du bambou. Auteur des célèbres lampes Akari, Isamu Noguchi, fils du poète Yonejiro Noguchi et élevé par sa mère américaine aux États-Unis, retourne au Japon au début des années 1950 où il connaît un immense succès. Pour l’historien Ryu Niimi, Isamu Noguchi est la véritable « incarnation de ce “nouveau globalisme” qui a su faire aboutir le primitivisme moderne de l’avant- et de l’après-guerre ». Épousant parfaitement les théories du mingei, le parcours du Quai Branly révèle ces objets du quotidien à la lumière des aspirations poétiques de leurs concepteurs.

L’aspect « mignon »
La visite se poursuit à quelques centaines de mètres du musée, quai Branly, à la Maison de la culture du Japon. L’institution met à l’honneur le design japonais d’aujourd’hui en commençant par évoquer ses racines et l’importance du mingei. On y retrouve des créations devenues familières – le service à thé en porcelaine blanche ou le tabouret Butterfly de Sori Yanagi, le luminaire Akari – aux côtés de créateurs contemporains tels Naoto Fukasawa (déjà présent au Musée du quai Branly), Shunji Yamanaka, Tokujin Yoshioka ou Kazuteru Murasawa. L’exposition a été baptisée « Wa », terme qui désigne à la fois l’harmonie – cet « accord idéal qui doit régner entre les humains et les choses », comme l’explique l’un des commissaires, Masafumi Fukagawa – et, par extension, « les choses japonaises ». Particulièrement réussie, à la fois élégante et sobre, la scénographie ne rassemble au premier abord qu’un catalogue des productions nippones phares. Mais, derrière les grandes thématiques affichées (les articles de bain, de bureaux, les luminaires…), transparaît une autre vision, plus subtile, empreinte de cette philosophie japonaise déjà évoquée au Quai Branly. Les objets sont ainsi parallèlement classés selon les six concepts essentiels du design : l’importance de l’artisanat, la finition parfaite, l’aspect « mignon », les sensations tactiles, la beauté des formes dépouillées, la prévenance. Une trame invisible pour esquisser les contours de cette création japonaise qui n’a de cesse de clamer la beauté du quotidien