Bob Wilson théâtralise Isamu Noguchi

Appliquant à la lettre le précepte de Noguchi selon lequel « tout est sculpture », il nous entraîne dans une alternance contrastée de salles claires et obscures où 80 pièces témoignent de sa création pluridisciplinaire et interculturelle. Car l’artiste excella dans la sculpture, passant six mois dans l’atelier parisien de Constantin Brancusi, mais aussi dans le domaine du design créant des luminaires, du mobilier et des décors de scène. Son art fit sa vie durant un pont entre Orient et Occident. Il fut marqué tout autant par l’art moderne occidental que par la peinture chinoise traditionnelle et la poterie japonaise. L’une de ses volontés fut ainsi d’abolir la hiérarchie toute occidentale entre arts plastiques et arts appliqués. Réunir esthétique et fonctionnalité fut au cœur de sa problématique. Résidant au Japon en 1951, il remarque la beauté des lampions traditionnels utilisés par les pêcheurs au cormoran. Cela lui inspire ses célèbres lampes akari en papier et bambou qui lui assurent une notoriété certaine dans l’univers du design. Le papier est pour lui un matériau à l’utilisation multiple « comme diffuseur de lumière, comme protection contre le vent et la pluie, comme lanterne et parapluie ». Le théâtre est également un centre d’intérêt pour Noguchi. En 1929, il rencontre à New York la chorégraphe Martha Graham avec laquelle il travaillera pendant plus de trente ans. 21 décors seront réalisés pour elle. L’on peut voir ainsi dans l’exposition la Medea’s Dress en laiton conçue en 1946 pour une pièce intitulée Cave of the eart sur une chorégraphie de Martha Graham, de même que des éléments scéniques d’Orphée (George Balanchine, 1948)
et de Judith (Martha Graham, 1950), sublimés par un habile jeu de lumière.